In questo periodo dell'anno il tema dell'orrore torna in auge in vari campi e per quanto riguarda la musica, in particolare quella metal, il tema horror e il concetto di Halloween sono elementi estremamente presenti, centrali e preponderanti.
È dunque il momento propizio che io vi sveli la mia playlist a tema horror, che si compone di 7 sezioni che nominerò in questa maniera:
È dunque il momento propizio che io vi sveli la mia playlist a tema horror, che si compone di 7 sezioni che nominerò in questa maniera:
- Serial killer
- Cinema
- Letteratura e culto
- L'incubo della realtà
- Delle possessioni
- L'inizio della fine
Inoltriamoci dunque in questi 23 grandiosi e orrorifici brani!
A cura di Rock with the Doc
INTRODUZIONE
1) Robert Johnson – “Me And the Devil's Blues” Robert Johnson è ricordato come uno dei più grandi musicisti blues della storia, armonicista e straordinario chitarrista, tra i più influenti utilizzatori della tecnica del bottleneck e del canto in falsetto. Morì in circostanze misteriose nel 1938 a 27 anni, diventando il primo membro del famoso Club dei 27, nutrito gruppo di artisti deceduti a quella fatidica età. Con un ritmo instabile e un canto tormentato, "Me And the Devil's Blues" descrive in modo crudo e metaforico il tormento interiore dell'autore e il suo legame distruttivo con una figura demoniaca, raccontando di Satana che bussa alla sua porta, di un male che lo possiede fino a fargli commettere violenza domestica, terminando con la richiesta di seppellire il suo corpo sul ciglio dell'autostrada in modo che il suo "old evil spirit" possa prendere un autobus della linea Greyhound e continuare a viaggiare per l’eternità. Il brano ha alimentato la leggenda secondo cui il musicista avesse venduto l'anima al Diavolo in cambio del suo talento, una canzone spettrale, primordiale e tragicamente ossessiva.
2) Iniziamo la sezione serial killer con "Countess Bathory" dei Venom. Erzsébet Báthory, detta la Contessa Sanguinaria, è definita come la serial killer più prolifica della storia. Mostrando segni di squilibrio e sadismo fin da bambina, oltre che praticante di magia nera, in età adulta seviziò e uccise nel suo castello in Slovacchia centinaia di giovani donne, tra contadine e figlie della piccola nobiltà. Il brano dei Venom descrive come la Contessa attirasse a sé le giovani donne, i bagni col loro sangue per preservare la sua giovinezza, e infine il suo declino, e l'iconico riff portante, le distorsioni sature e sporche, l'incedere sincopato e l'effetto "bulldozer" del basso creano un muro di suono fangoso che veicola al meglio l'atmosfera oscura delle liriche.
3) "Dead Skin Mask" degli Slayer ci porta nella mente del macellaio di Plainfield, Ed Gein, serial killer e profanatore di tombe che custodiva nel suo domicilio una collezione di resti umani e macabri oggetti d'arredamento e vestiario da lui realizzati. Paralumi in pelle umana, teschi usati come ciotole, maschere fatte di volti e un intero "vestito di pelle" che indossava per assumere le sembianze di donna, ispirando numerose tra le più famose opere cinematografiche ("Psycho" di Hitchcock, "Non Aprite quella Porta" di Hooper, "Il Silenzio degli Innocenti" di Demme, e numerosi altri) e anche musicali. Il brano degli Slayer è un mid-tempo asfissiante, con quell'iconico riff alienante e ossessionate e il campionamento vocale di una bambina terrorizzata, ci offre una prospettiva psicologica del protagonista assolutamente devastante: I Dance With the Dead in my Dreams.
4) "Finger Painting of the Insane" degli Acid Bath proviene dall'album “When the Kite String Pops”, che mostra in copertina il dipinto "Pogo the Clown", un autoritratto realizzato dal clown serial killer John Wayne Gacy in prigione nei panni del suo alter-ego. Eppure l’ immaginario grottesco e disturbante e la psichedelia oscura del brano, facendo riferimento alle scritte col sangue sulle pareti, tratta di figure come Charles Manson e la sua "Family", la setta che si macchiò di crudeli crimini tra cui l'Eccidio di Cielo Drive in cui furono barbaramente uccisi l'attrice Sharon Tate, compagna del regista di Roman Polanski (e incinta di otto mesi), e altre quattro persone. Il brano manifesto dello sludge metal degli Acid Bath scava dunque nei meandri della depravazione mentale, con quel riff di palm muting mid-tempo fangoso e oppressivo, dissonanze psichedeliche, con le linee melodiche malate della voce di Dax Riggs, interrotte da scream laceranti e urla death metal sature di disperazione, rievocando lo specchio deformante di una mente totalmente dissociata.
CINEMA
5) Iniziamo la sezione cinema con "Bela Lugosi's Dead" dei Bauhaus, brano dedicato all'attore horror Bela Lugosi che negli anni ‘30 realizzò storiche interpretazioni del personaggio del Conte Dracula in vari film. La canzone, grazie all'approccio rumoristico e atonale della chitarra, sfruttando massicciamente il feedback, a creare tessiture spettrali, alle linee di basso discendenti e ipnotiche, al pattern sincopato della batteria in stile bossa nova, l'uso del delay che frammenta i suoni della chitarra e della batteria reiterandoli nello spazio sonoro, creando un senso di vuoto e claustrofobia, e infine grazie alla voce teatrale, ossessiva, declamatoria e baritonale di Peter Murphy, si configura un oscuro affresco sonoro dall'atmosfera ultraterrena che segnò l'archetipo del gothic rock.
6) "Rosemary's Baby" dei mitici Fantomas è la cover della colonna sonora del capolavoro di Roman Polanski, una folle decostruzione della ninnananna del film attraverso esplosioni grindcore ed effetti spettrali. Dave Lombardo degli Slayer passa da un accompagnamento jazzato e soffuso sui piatti, a violentissimi blast-beat e rullate in doppia cassa durante le esplosioni metal, la chitarra di Buzz Osbourne scatena riff come rasoiate sonore e Trevor Dunn al basso a sei corde esegue una linea jazzata e flessibile, sorreggendo le parti vocali inquietanti e infantili di Mike Patton prima che questi si trasformino in scream disperati e deliranti e che giungono al loro ne tragico e citazionista finale: What have they done to his eyes?
7) "In Heaven" degli Aenaon è una meravigliosa gemma nascosta. Contenuta nel loro esordio “Cendres Et Sang” del 2011, è una magnifica cover della canzone cantata dalla donna nel radiatore nel capolavoro di David Lynch, "Eraserhead". La band trasforma la litania surreale e onirica in un incubo black metal destrutturando e ricostruendo il brano attraverso dinamiche tipiche del metal d'avanguardia. Mentre l'originale poggia su un organetto minimale e lo-fi, gli Aenaon espandono la strumentale evolvendo in un altrettanto disturbante black metal con chitarre distorte e tempi di batteria pesanti e cadenzati, alternando momenti di quiete spettrale a esplosioni di pura violenza sonora. L'ospite Thomais esegue le linee vocali pulite femminili, ricalcando l'originale, ma aggiungendo una tensione lirica e teatrale, mentre Astrous, il vocalist della band, interviene con uno screaming acido, lacerante e disperato. Una tremenda rilettura emotiva amplificata di uno dei momenti più angoscianti e inquietanti della storia del cinema psicologico.
8) "Careful with that Axe, Eugene" è uno dei brani più oscuri e sinistri composti dai Pink Floyd. Pubblicato nel dicembre 1968 come lato B del singolo “Point Me at the Sky”, in seguito rielaborata e inserita col titolo "Come In Number 51, Your Time Is Up". Nella colonna sonora del film "Zabriskie Point" (1970) diretto dal regista italiano Michelangelo Antonioni, fece da sfondo alla sequenza finale del film, una delle più iconiche della storia della settima arte. Il brano, quasi strumentale e connotato da un incedere mesmerizzante, evolve con la sua transizione drammatica da un placido tappeto sonoro a un'esplosione di puro delirio sonoro, sviluppandosi da una linea di basso ipnotica in loop di Roger Waters a creare un senso di calma apparente, al di sopra del quale fluttua l'organo spettrale di Richard Wright proseguendo poi verso un crescendo monumentale aggiungendo il culmine della tensione nell'urlo inalato, disumano e raggelante di Roger Waters e a quel punto David Gilmour esplode un assolo acido e distorto, accompagnato dal drumming serrato di Nick Mason. Una prova di come i Pink Floyd sapessero infondere magistralmente anche tensione, paura, agitazione in un espressione musicale cinematografica e psicologica.
9) "Tubular Bells pt. I" di Mike Oldfield che si apre con uno dei giri di pianoforte più iconici e raggelanti della storia, è una monumentale cattedrale di loop e poliritmia che si sviluppa come un flusso continuo di 25 minuti, con una metrica che crea un senso di ipnosi che assorbe l'ascoltatore mentre il tema iniziale viene continuamente decostruito e ricostruito con magistrali variazione sul tema diventando una delle opere più rivoluzionare del rock progressivo e della musica minimalista. Il regista William Friedkin per la colonna sonora de "L'Esorcista", pietra militare insormontabile del cinema horror, scelse questo brano per raffigurare la possessione demoniaca di una bambina in quanto rievocava l'infanzia, l'innocenza e un senso di morbosa ossessione.
LETTERATURA E CULTO
10) Per quanto riguarda la sezione Letteratura e culto, apriamo ovviamente con uno dei tanti brani ispirati ai racconti di Edgar Allan Poe, il primo scrittore alienato d'America considerato il pioniere della letteratura gotica e dell'orrore psicologico. "Masque of the Red Death" dei Crimson Glory, adattamento musicale esplicito e fedele dell'omonimo racconto, che unisce la loro tipica complessità compositiva a un'atmosfera teatrale e drammatica, con il suo up-tempo progressive power metal a simulare la frenesia del ballo in maschera, un riffing gotico e neoclassico, mentre la performance del cantante Midnight spazia da tonalità medie e graffianti fino ad acuti in falsetto e scream operistici che sfiorano altezze vertiginose interpretando dramma spettrale del finale, incarnando l'orrore descritto da Poe: l'impossibilità per chiunque, inclusi i ricchi e i potenti, di sfuggire alla morte.
11) Howard Philip Lovecraft è considerato uno degli autori più importanti della letteratura moderna avendo rivoluzionato il genere horror, prima basato elementi come fantasmi, demoni, mostri e sul concetto del bene contro il male. La rivoluzione scientifica e le scoperte astronomiche e fisiche dei primi anni del '900 fecero crollare ogni certezza antropocentrica, e iniziava a farsi strada un concetto di universo infinito e inconcepibile. Così nel pensiero lovecraftiano, la paura non nasce dai mostri visibili, ma dall'impossibilità della mente umana di comprendere ciò che sfugge alla ragione, alla scienza e al controllo. L'emozione più antica e più forte dell'essere umano è la paura, e il tipo più antico e forte di paura è la paura dell'ignoto, nacque dunque l'horror cosmico, che ispirò registi come John Carpenter, Ridley Scott, Guillermo del Toro, Roger Corman. Basato sul racconto "Estrattore delle tenebre", “Yuggothian Spell” dei Sulphur Aeon racconta di un uomo chiuso in una stanza buia che invoca entità cosmiche, Azathoth, Yog-Sothoth e Nyarlathotep, attraverso un rituale primordiale, scivolando tra allucinazioni e terrore, attraverso un incantesimo proveniente dal pianeta Yuggoth, un mondo oscuro ai confini della galassia abitato da una razza aliena di creature fungine dotate di ali. Il blackened death metal atmosferico dei Sulphur Aeon rievoca perfettamente questo senso di vastità cosmica, con un riff portante di tremolo picking eseguita con l'accordatura pesantemente ribassate, generando una linea melodica spettrale e fluttuante che sembra raffigurare un vuoto siderale. Attraverso la sua progressione ipnotica di sezioni ritualistiche che accumulano tensione per poi esplodere in aperture melodiche, con scale minori armoniche che evocano atmosfere ancestrali e mediorientali, il passaggio fluido da tempi veloci a mid-tempo sincopati accentua il senso di disorientamento cosmico coerente con il tema lirico e un alternanza vocale di growl cavernosi, shriek acidi e clean vocals baritonali e ritualistici, il brano dipinge un sensazionale spaccato delle atmosfere lovecraftiane.
12) Sir Aleister Crowley è passato alla storia come l'occultista, mistico e saggista più controverso del XX secolo, fondatore della dottrina di Thelema, e figura chiave di alcune società segrete. La sua connessione con l'immaginario esoterico lo ha reso una figura di immensa ispirazione per molti artisti del mondo rock e metal. L'esplorazione sonora attuata da Ozzy Osbourne nella celebre "Mr. Crowley" è indubbiamente il brano dall'impatto storico e artistico più leggendario in merito a questo personaggio. L'allora ex cantante dei Black Sabbath si rivolge a lui in un dialogo sulle sue pratiche oscure, con riferimenti al suo culto e al suo stile di vita edonistico ed esoterico, aprendosi con un intro di sintetizzatore a creare un'atmosfera cupa, sacrale e tipicamente gotica, che evoca l'interno di una chiesa sconsacrata richiamando l'ambientazione della Abbazia di Cefalù dove il mistico praticava i suoi rituali magici, ma soprattutto veniamo elevati dagli assoli leggendari del chitarrista Randy Rhoads, conferendo al brano una drammaticità tecnica impareggiabile. Un manifesto immortale dell'estetica horror ed esoterica del metal di quei tempi.
L'INCUBO DELLA REALTA'
13) L'incubo della realtà prende piede con "Alison Hell" degli Annihilator. Il brano dei tech thrashers canadesi è uno dei manifesti del genere grazie al suo comparto tecnico dotato di una precisione chirurgica, a un'abile alternanza tra momenti cadenzati e accelerazioni thrash, ma anche per via del forte senso di tensione cinematografica e di atmosfera gotica che trasmette, e la voce attraverso l'aggressività dell'hardcore/thrash ottantiano alternata a linee vocali melodiche e disperate, contribuisce a veicolare il tema claustrofobico del testo. Il brano narra infatti di una storia vera, che ha come protagonista una bambina di nome Alice, di notte tormentata da incubi riguardanti l'Uomo Nero. Ma pur avendolo raccontato più volte ai suoi genitori questi non presero sul serio le richieste di aiuto della bambina, al contrario la punivano chiudendola a chiave nella sua cameretta. In poco tempo Alice andò incontro a un grave collasso mentale è, dichiarata clinicamente malata psichiatrica, fu internata in un manicomio. Una storia che ci costringe a una seria riflessione: i demoni peggiori sono quelli che si annidano nel nostro cervello.
14) "Violenza Domestica" dei Mr. Bungle è un altro dei brani inquietanti e disturbanti partoriti dalla folle mente creativa di Mike Patton. Le liriche, decantate in italiano per conferire un tono melodrammatico e neorealista, attraverso metafore brutali descrivono attraverso il punto di vista del carnefice, l'isolamento, il controllo psicologico, la sottomissione fisica e verbale, il terrore subiti dalla vittima. Tutto questo attraverso la base strumentale di un tango sghembo, destrutturato e dissonante, fluttuando costantemente tra silenzi tesi, rumori domestici astratti, sussurri inquietanti e improvvise esplosioni di rumore d'avanguardia, la musica stessa infligge e subisce violenza: un'opera meta-musicale tra le più inquietanti mai realizzate.
15) "Daddy" è la traccia di chiusura dell'album di debutto dei Korn e rappresenta uno dei pezzi più disturbanti mai realizzati. Il brano affronta il trauma degli abusi sui minori, tema molto sentito dai Korn per via della tragica esperienza del cantante Jonathan Davis, che da bambino subì violenza da un vicino di casa. Aspetto drammatico messo in evidenza nella canzone non è solo l'atto in sé, ma anche il fatto che i genitori credettero alle parole del figlio, minimizzando o ignorando il trauma. La straziante nenia dell'intro ci introduce immediatamente in un senso di morbosità e infanzia in rovina, poi il basso a cinque corde dallo slap unito a un clanky genera un riff ipnotico in tempo medio creando un senso di minaccia strisciante lungo tutta la prima parte, mentre le chitarre rumoristiche creano tappeti sonori dissonanti ed effetti di modulazione che imitano il pianto o il lamento, ricreando l'ambiente psicologico del trauma. Ma l'elemento centrale è indubbiamente la performance vocale di Jonathan Davis, l'utilizzo della voce come strumento psicotico, Davis passa da parti sussurrate a uno screaming disperato, fino a utilizzare uno stile vocale strozzato, e la sezione più raccapricciante del brano è rappresentata dalla registrazione in studio di un pianto reale e disperato del cantante mentre la band continuava a suonare e il produttore Ross Robinson teneva i nastri aperti, catturando una crisi emotiva senza filtri, e uno dei momenti più raggelanti della storia della musica, lasciando l'ascoltatore intrappolato nella stanza insieme al pianto del cantante. Nel brano attraversiamo il senso di rabbia verso il padre e la madre per non averlo ascoltato e protetto, il senso di colpa e la vergogna, una discesa in tutti i riflessi inferiori ed esteriori della tragedia. A causa dell'enorme impatto emotivo e del trauma reale che rinnova in Jonathan Davis, i Korn non hanno quasi mai suonato questo brano dal vivo.
Nota a margine: lo strepitoso brano dei Tool intitolato "Prison Sex" contenuto nell'album d'esordio "Undertow" affronta e approfondisce la stessa tragica tematica, ma per conservare l'atmosfera della playlist e introdurre il successivo brano viene scelto un altro pezzo dal catalogo della band di Maynard & Co.
16) Tool - "Die Eier von Satan", un brano ironico in una playlist come questa non può mancare. La base musicale porta un sound industrial ossessivo, marziale, dalle tinte stranianti. La voce che udiamo è quella di Marko Fox, allora bassista dei Zaum, che declama con tono aggressivo, dittatoriale, psicotico, una sorta di comizio nazista o una specie di formula satanica in un rituale nero. In realtà quello che ascoltiamo non è altro che la ricetta per i biscotti all'hashish. Nello spirito helloween-iano di questa playlist, il brano rispecchia lo scherzo psicologico attuato dai Tool verso l'ascoltatore, per dimostrare come il pubblico possa lasciarsi spaventare o manipolare dal tono e dai preconcetti (in questo caso legati alla durezza della lingua tedesca). Che in questo caso, al termine del brano, con tono autoritario, quasi satanico, impone fermamente: "Und keine Eier!" ("E niente uova!").
17) Nel 2001 in Germania avvenne uno dei casi di cronaca nera più raccapriccianti del nostro millennio. A seguito della risposta ad un apposito annuncio, il tecnico informatico Armin Meiwes uccise e cannibalizzò il corpo dell'ingegnere elettrotecnico Bernd Jürgen Brandes, episodio di omicidio e cannibalismo consensuale che fu persino ripreso in video e che valse all'uomo l'epiteto di "Cannibale di Rotenburg". "Mein Teil" dei Rammstein riflette liricamente e musicalmente la violenza e la perversione del tema trattato, i sintetizzatori caustici, un muro di chitarre opprimente il groove marziale della batteria, la voce morbida, insana di Lindemann, e soprattutto gli effetti industrial, elettronici, psicotici di cui è costellato il brano, ricreano alla perfezione un'inesorabile sprofondamento nella follia e nell'aberrazione.
18) "Scissors" è la penultima traccia dello storico ed omonimo esordio degli Slipknot, e sebbene la maggior parte dei testi della band dell'Iowa sia scritta dal frontman Corey Taylor, le liriche di questo brano furono scritte dal defunto batterista Joey Jordison in un momento di profonda crisi personale. Questo tratta infatti dell’autolesionismo, dell'autodistruzione, delle dipendenze, dell'abuso di sostanze, l'incapacità di provare emozioni reali, della grave depressione e del desiderio disperato di fuggire dalla propria realtà fisica e mentale. Le forbici che danno il titolo rappresentano una sorta di brutale intervento chirurgico emotivo fatto su se stessi per liberare l'oscurità interiore. La traccia è stata registrata in one take e quando la struttura musicale scritta finì, la band continuò a suonare improvvisando. Molti dei versi finali sono stati totalmente improvvisati sul momento e lo straziante lamento finale furono conseguenza di un violento crollo emotivo di Corey Taylor a seguito dell'interpretazione dello stato psicologico del suo compagno. Il pezzo è probabilmente la materia sonora più dilaniante da parte della band, per via della performance tragica e lancinante di Taylor, ma anche per la sostanza strumentale estremamente disturbante, allo stesso tempo sperimentale, destrutturata e d'avanguardia, iniettata di effetti dark-noise, una miscela di nu-metal malvagio, grindcore e industrial metal, prende forma una spirale sonoro-psicologica dal tenore angosciante più unico che raro.
19) Silencer - "Death – Pierce Me". Dal 1995 al 2001 a Stoccolma è esistita una band dai tratti estremamente inquietanti e scioccanti. Proponendo un depressive black metal particolarmente disperato e insano, i Silencer sono noti anche e soprattutto a causa dell'alone di orrore che circonda il loro cantante soprannominato Nattramn, una figura dall'aspetto inquietante ai limiti del sopportabile. L'elemento d'impatto assoluto del loro unico album intitolato "Death, Pierce Me" sono proprio le sue linee vocali. Non siamo innanzi al tipico screaming black metal, ma a veri e propri gemiti laceranti, pianti disumani, rantoli soffocati, conati di vomito e urla acute caustiche che sembrano provenire dallo strazio di una bestia agonizzante. Attorno a questa persona nacque una delle leggende più scabrose mai udite da orecchio umano. Alcune voci raccontano che per ottenere quel grado di disperazione vocale, Nattramn si sia tagliato ripetutamente le mani e i polsi con dei pezzi di vetro. Le rare foto promozionali della band lo mostrano infatti con il volto e gli arti coperti da bende e delle vistose zampe di maiale cucite alle braccia insanguinate. Altre voci dicevano che poco dopo l'uscita del disco, fosse evaso da un istituto psichiatrico e avesse aggredito a colpi d'ascia una bambina in un parco, implorando poi la polizia di ucciderlo. In realtà, indagini successive hanno associato questo terribile fatto di cronaca al fratello del cantante, affetto da gravi disturbi mentali. Probabilmente gli atti a lui riferiti sono parte di un'abile strategia di marketing basata sul sensazionalismo dell'orrore, ma quello che è certo è che Nattramn soffrisse di gravissimi problemi mentali e che fu internato per lungo tempo in un ospedale psichiatrico. Col permesso di utilizzare dei sintetizzatori come percorso di cura creò un progetto solista dark ambient, Diagnose: Lebensgefahr, rilasciando nel 2007 l'album "Transformalin", opera disturbante, costellata di suoni clinici e atmosfere industriali cupe e sinistre. Nel 2011 ha anche pubblicato un libro intitolato "Grishjärta" (Cuore di maiale), una raccolta di sue poesie, scritti e fotografie che affrontano i temi dell'isolamento e della follia. Il brano della title-track "Death - Pierce Me" (Morte, Perforami) atterrisce psicologicamente l'ascoltatore con riff macabri e ossessivi, un inquietante sezione di piano, con un incedere costantemente tensivo e minaccioso e quelle dannate vocals che sembrano provenire da qualcuno che stia provando sulla sua pelle le vere pene dell'Inferno.
20) La traccia di apertura di "Ghost Reveries" (Fantasie spettrali) degli Opeth ovvero “Ghost Reveries” narra una storia di una possessione demoniaca, di stregoneria, fantasmi, dannazione dell'anima, e l'atmosfera gotica e spettrale di cui è intrisa è estremamente evocativa e rappresentativa delle liriche decantate. Una suite composta praticamente da manuale nel generare tensione drammatica: la traccia esplode improvvisamente con un accordo dissonante catapultandoci subito in un clima di agitazione, attraversando continui picchi di violenza e oasi acustiche, contrasto retto alla grande anche dalle transizioni vocali di Michael Åkerfeldt da growl profondi a linee vocali pulite e malinconiche ed evocative, mentre la complessa batteria di Martin Lopez orchestrando sincopi, stacchi e cambi di tempo continui conferisce un mood destabilizzante e ansiogeno. Fondamentale è l'apporto del tastierista Per Wieberg che attraverso il mellotron e i sintetizzatori vintage avvolge i riff estremi in un'atmosfera spettrale tipica del prog rock anni '70, regalandoci le sensazioni più vivide di una serata dedicata all'occulto e all'horror più classico.
21) Iron Maiden - "Dance of Death". Siamo innanzi a una delle composizioni più teatrali, progressive ed epiche dell'intera discografia della Vergine di Ferro. Un crescendo trascinante di oltre 8 minuti che fonde elementi folk, heavy metal e narrazione cinematografica per raccontarci in prima persona la storia di un uomo che, addentratosi in un bosco delle Everglades, si ritrova intrappolato in un rituale necromantico e assentandosi da sé stesso, è costretto a ballare insieme agli spiriti dei defunti. Una danza macabra ispirata dal capolavoro "Il Settimo Sigillo" di Ingmar Bergman e alla tradizione folk medievale, dotata di un'impostazione teatrale, e di una forma a suite narrativa in crescendo continuo, partendo da un'introduzione acustica e dai toni misteriosi, seguita dalla fase della danza, con l'entrata degli strumenti elettrici e un'accelerazione improvvisa per dare vita al momento della "danza dei morti", dominata da un riff folk celtico accelerato e cavalcante, per poi sfociare una staffetta di tre assoli (uno per ogni chitarrista della band), seguiti dal climax emotivo e da un'estensione acustica speculare all'introduzione. Il tempo scandito da Nicko McBrain di 6/8, con variazioni percepite in 12/8, tipico delle jig e delle danze folk celtiche, funge da motore perfetto per simulare l'andamento ipnotico e rotatorio di una danza. Un manifesto musicale in cui concetti sonori e ritmiche sono il portale perfetto verso un'evasione spirituale ed esoterica.
22) Se c'è un manifesto supremo dell'anima di questa playlist, non può che essere "Halloween" delle Zucche di Amburgo. Siamo al cospetto di un brano monumentale di 13 minuti composto interamente da uno dei massimi demiurghi del power metal, il chitarrista Kai Hansen, esemplare suite per il suo approccio operistico e progressivo. I synth spettrali introducono magnificamente l'ascoltatore nella notte di Halloween. Nella saga che inizia col brano, mentre la gente si traveste per divertimento, l'atmosfera festosa nasconde un sinistro pericolo: le forze dell'oscurità approfittato del caos e del mascheramento per confondersi tra gli umani, sviluppando una trama attraverso scene di rapimento e di tentazione da parte del Diavolo, fino al risveglio spirituale. Le chitarre non si limitano a eseguire riff pesanti, ma intessono contro-melodie costanti sotto le linee vocali e nella sezione centrale svetta una parata tecnica di assoli incrociati, cambi di tempo e riff polifonici. La ritmica vertiginosa sostenuta dal tappeto incessante di doppia-cassa sincronizzato con un basso fluidissimo rievoca grandiosamente la frenesia della narrazione, e in particolare l'estensione vocale di Michael Kiske offre una delle performance più influenti del metal, potendo spaziare da toni narrativi e teatrali nel registro medio fino ad acuti stratosferici che toccano note in piena voce ed in falsettone. Le emozioni rievocate dal continuo saliscendi diviso in sezioni profondamente teatrali, i break drammatici, gli effetti atmosferici, compongono dunque un affresco sonoro degno di un horror cinematografico, configurandosi come una magniloquente fiaba gotica sul libero arbitrio e sulla redenzione.
23) "Black Sabbath - "Black Sabbath". Siamo a Birmingham nel 1965, e in una delle acciaierie della città un ragazzo di nome Tony si appresta a compiere il suo ultimo giorno di lavoro prima di dedicarsi alla carriera da musicista. Il destino volle che quel giorno l'addetto alla pressa industriale fosse assente, così a Tony fu chiesto di prendere il suo posto. In quella circostanza avvenne un incidente, la pressa gli tranciò via le falangi superiori del dito medio e dell'anulare della mano destra, essendo mancino, quella che utilizzava sulla tastiera della sua chitarra. Dopo un mese di inutili tentativi di riattaccarle, Tony Iommi venne dimesso dall'ospedale, provò a suonare da destro, ma non riuscendoci cadde in un periodo di depressione. Ma ad un certo punto ascoltato la musica di Django Reinhardt, chitarrista jazz manouche francese, anch'egli rimasto menomato ad una mano, ricominciò a suonare realizzando da sé delle protesi digitali ottenute fondendo e sagomando tappi di detersivo e accordando la chitarra sotto di un semitono affinché le corde fossero meno tese: questa manovra, compiuta per necessità, portò a scaturire il tipico sound malevolo dell'heavy metal. Tony, assieme ad altri tre ragazzi, Geezer, Bill e Ozzy era destinato essere il padrino del nascente nuovo genere. Il bassista Geezer, appassionato di cultura gotica ed esoterismo, ispirato dal film "I Tre Volti della Paura" del regista italiano Mario Bava, pensò che se il pubblico era attratto dal cinema orrorifico, lo stesso valesse per la musica e così proposte di chiamare la band con il titolo attraverso il quale quel film fu distribuito in Gran Bretagna: "BLACK SABBATH". Geezer una notte vide una tremenda figura nera ai piedi del suo letto, esperienza che lo convinse ad allontanarsi dalla magia nera ma la raccontò in un testo per la prima canzone del loro primo album. Tony tirò fuori un riff basato su un tritono ovvero l'intervallo musicale di tre toni storicamente noto come diabolus in musica per la sua forte dissonanza, secondo leggende medioevali in grado di evocare il Diavolo, creando un'atmosfera tetra e dissonante che gettò le fondamenta sonore del genere heavy metal. La follia insita nella performance vocale di Ozzy Osbourne completò alla perfezione l'anima oscura e delirante del brano, segnando l'inizio del Male in musica, la cellula staminale di un suono che crescerà, si moltiplicherà e si ramificherà da lì ai futuri sessant'anni!
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A cura di Rock with the Doc
